Amori strappa lacrime

Come potete intuire dal titolo oggi vi vorrei suggerire alcun titoli che hanno in comune un solo unico terribile scopo: far piangere lo spettatore! Non tutti i film riescono a far emozionare allo stesso modo, per questo, come sempre, anche oggi vi citerò alcuni film che, come dire… mi fanno piangere ed emozionare, ogni volta, come se fosse la prima! Ho pensato di scegliere quattro pellicole differenti tra loro in modo da poter soddisfare (almeno lo spero) tutti i vostri gusti.

L’Amore mitico

Il primo dei quattro titoli che vi suggerisco è ispirato a uno dei più famosi racconti del Medioevo. Tristano e Isotta. Il film al quale mi riferisco è Tristan & Isolde, del 2006. Questo lungometraggio, diretto da Kevin Reynolds, è un film che, lasciatemelo dire, mi affascina ogni volta. La storia già di per se è stupenda, come solo i grandi racconti che si tramandano da secoli sanno essere, per di più la pellicola è ben diretta e interpretata. I giovani amanti e sfortunati protagonisti sono tremendamente belli e perfetti insieme. Nel caso non l’aveste visto sappiate che sono interpretati da James Franco – al suo meglio e da Sophia Myles. Vorrei ricordare anche la partecipazione del bellissimo Henry Cavill e dell’affascinante Rufus Sewell. Si lo so, il cast già da solo merita la visione. Fidatevi se vi dico che la bellezza è solo un piccolo contorno all’interno di una storia struggente e potente, ben diretta e ben interpretata. Preparate i fazzoletti.

L’Amore segreto

Brokeback Mountain di Ang Lee. Mi bastano queste 5 parole per commuovermi. Un film meraviglioso, magistralmente diretto – regista che ammiro moltissimo e che trovo sempre, in ogni suo lavoro, particolarmente attento ai sentimenti dell’animo umano, interpretato alla perfezione con una storia d’amore potente e bellissima. Le lacrime mi scorrono sempre troppo facilmente quando guardo questo film, anche per il pensiero che rivolgo sempre a Heath Ledger: meravigliosa creatura che ha toccato questo mondo con la sua arte e il suo indiscutibile talento, abbandonandolo troppo presto. A parer mio: film imperdibile.

Il film che ti sei perso...

L’Amore colto

Definisco l’amore del film Moulin Rouge! in questo modo perché, come certo sapete, visto che avete letto il mio post di qualche settimana fa dedicato proprio al film di Luhrmann, l’amore che lega i due protagonisti è frutto di un sapiente incontro tra due straordinarie opere classiche. Nel caso vi fosse sfuggito l’articolo non dovete nemmeno fare lo sforzo di andarlo a cercare. Vi basterà cliccare qui. Ovviamente avendo già parlato abbondantemente di questo film (che adoro) non indugio oltre e passo all’ultimo titolo.

L’Amore che supera il tempo

Anche in questo caso vi suggerisco un film che vi ho già nominato in un precedente articolo (Lo Straordinario nell’Ordinario). Evening, che è stato rilasciato in Italia con il titolo Un amore senza tempo, è un film che amo molto perché racconta di un amore ostacolato ma vissuto con una tale intensità da rimanere vivo nel cuore dei personaggi. Poi l’uomo che ruba il cuore della protagonista, Claire Danes, è il bellissimo Patrick Wilson. Si lo so, spesso e volentieri affermo che gli attori sono bellissimi ma che vi devo dire? Ho gli occhi per guardare e sono un’amante del bello… ma sto divagando, torniamo al film. Anche questa pellicola credo che si interessante, non solo perché mi fa commuovere ogni volta che la vedo o perché l’attore protagonista ha un bel viso. Il film è improntato su un punto di vista femminile, mostra la forza delle donne e le loro paure, porta in scena un amore che tutti vorremmo poter vivere, senza scadere nel melodramma.

Anche oggi ho cercato di suggerirvi film differenti tra loro ma con un punto in comune. Spero di avervi incuriosito almeno un po’ e che vi sia venuta voglia di commuovervi davanti a un bel film. Non fate finta di non essere interessati a questo genere di film, sappiate che piangere fa bene: è una potente valvola di sfogo. Ecco un altro punto a favore di questi film…

 

Nel caso te lo fossi perso…

  • Moulin Rouge!, Baz Luhrmann, 2001
  • Brokeback Mountain, Ang Lee, 2005
  • Tristan & Isolde, Kevin Reynolds, 2006
  • Evening, Lajos Koltai, 2007

 

In questo momento puoi trovare i seguenti film su…

   Sky Cinema:

Brokeback Mountain

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Whiplash

Oggi vi consiglio un bel film. Un gran bel film. Il primo che, quando l’ho visto al cinema, alla fine della visione mi ha fatto venire voglia di alzarmi in piedi ed applaudire. Ho già detto tutto. Whiplash è stata una scoperta, una rivelazione. Ricordo che al cinema sono andata senza troppe aspettative e ne sono uscita entusiasta! Il film è una vera piccola perla a parer mio. Regia, fotografia, interpreti, sceneggiatura e colonna sonora. Tutti elementi che collaborano alla perfezione per creare un vero gioiellino del cinema. Uscito nelle sale nel 2014, questo film ha portato fortuna (più che meritata) al giovanissimo regista Damien Chazelle, che dopo questo lungometraggio ha potuto girare i seguenti film: La La Land nel 2016 e First Man due anni dopo. Come accaduto per il musical, in cui i protagonisti erano Ryan Gosling ed Emma Stone, anche per Whiplash il regista ha curato la regia e la sceneggiatura. Si evince che Chazelle è un appassionato di audiovisivo e di musica. Solo un amante del sonoro può creare un film in cui c’è un perfetto equilibrio tra il senso della vista e quello dell’udito.

Il film che ti sei perso...

Breve riassunto:

Andrew è uno studente del conservatorio Shaffer di Manhattan. Il suo sogno è di diventare uno dei batteristi jazz più bravi di sempre. Grazie al suo talento riesce a entrare nel corso del professore Fletcher, famoso per la sua bravura ma soprattutto per i suoi metodi a dir poco rigidi e spietati. Il sogno di Andrew sembra quindi diventare un incubo. Talento, passione e dedizione, sacrificio e forza di volontà. Basteranno ad Andrew per superare il corso di Fletcher?

Perché guardarlo:

  • Se amate la musica, allora dovete vederlo. Whiplash è un film che la racconta intelligentemente, lasciandole il giusto spazio all’interno della narrazione
  • La recitazione è ottima
  • Regia curata e sceneggiatura incalzante

Perché non guardarlo:

  • L’unico motivo che vi potrebbe spingere a non guardare questo film è se proprio non sopportate la musica jazz

Noi, ragazze del ‘90

Si lo so, vi state domandando perché nel titolo di oggi c’è un bel “noi” all’inizio. Come se io facessi parte dell’élite di Hollywood. Sapete bene che non è così ma stavolta ho qualcosa in comune anch’io con i film di cui vi voglio parlare oggi. In questo breve articolo vi suggerirò titoli in cui le protagoniste sono ragazze nate, come me appunto, nel 1990. Tre attrici, un titolo a testa. Le seguenti interpreti hanno partecipato tutte a pellicole degne di note, grandi successi cinematografici che sono risultati vincenti al botteghino e film di nicchia. Ammetto che non è stato molto semplice, soprattutto per una di loro, scegliere un solo titolo da suggerirvi.

Kristen Stewart

Per la prima volta devo discostarmi dal mio modo di vedere il cinema e di raccontarlo. Sapete che non sono amante delle critiche, tuttavia non posso nemmeno evitare di dare un mio giudizio, per quanto insignificante possa essere. Personalmente non amo affatto come recita la Stewart. E no, non lo dico perché sono gelosa o altro – accusa che mi è già stata rivolta. Riconosco la bellezza di questa ragazza e se mi seguite sapete bene che non sono una persona che nutre gelosia. Se una donna è bella e brava non vedo nessun problema nel riconoscerlo, anzi: essendo un’amante del bello la esalto per i suoi meriti (non che la bellezza sia un merito, quella è una fortuna che ha concesso madre natura). La Stewart per me è solo bella, li finisce la storia. Non amo come recita, la trovo sempre uguale a se stessa e tremendamente piatta. Se poi la affianco alle sue coetanee non c’è paragone. Ai miei occhi lei perde sempre, anche in bellezza. Però ripeto, è una mia idea e come tale vi prego di prenderla. Appurato ciò, non posso evitare di riconoscere che la Stewart ha preso parte a numerose pellicole interessanti. Tra i vari film in cui è comparsa mi sento di suggerirvi un titolo che secondo me, è passato, ingiustamente, un po’ inosservato. Sto parlando di Clouds of Sils Maria. Questo film vede l’attrice in un ruolo diverso dal solito. La trama è bella, interessante e se anche voi non siete amanti, come me, del suo modo di porsi davanti alla macchina da presa, sappiate che verrete rapiti dalla location, dall’attrice protagonista che la affianca, ovvero la sempre brava Juliette Binoche e dalla storia.

Emma Watson

Ecco un’altra attrice che non ha certo bisogno di presentazioni. Emma Watson ha conosciuto la fama internazionale grazie alla saga di Harry Potter ma lasciamo Hermione Granger per affrontare il titolo che secondo me, tra le pellicole di Emma Watson merita di essere visto. Colonia. Diretto da Florian Gallenberger, il film vede accanto alla giovane attrice il fantastico Daniel Brühl. Sono convinta che tra i titoli che hanno visto la collaborazione di questa attrice inglese, questo sia quello passato più inosservato. Personalmente in questo film ho trovato la performance di Emma Watson più convincente e profonda del solito.

Jennifer Lawrence

La mia preferita tra le tre. A mio modesto parere la più brava e la più bella. Intelligente nel scegliere i proprio ruoli e una bravissima interprete. Sempre credibile, profonda e interessate. Jennifer Lawrence secondo me è una straordinaria attrice da seguire. Nella sua carriera vanta molti titoli che meritano di essere visti, non solamente per la trama ma anche per la sua capacità di interpretare i ruoli che le vengono assegnati. Considerando che American Hustle ve l’ho già consigliato in altre occasioni, i titoli tra cui ero indecisa erano: Winter’s Bone, Passengers, Joy e Silver Linings Playbook. Alla fine ho deciso che oggi, tra questi film, che credono valgano tutti la pena di essere visti, vi suggerisco l’ultimo e non solamente perché questo ruolo le ha conferito la vittoria del premio Oscar. Questo film è divertente, intelligente, profondo, sarcastico, esattamente come il ruolo che interpreta magistralmente Jennifer Lawrence.

Nel caso te lo fossi perso…

  • Silver Linings Playbook, David O. Russell, 2012
  • Clouds of Sils Maria, Olivier Assayas, 2014
  • Colonia, Florian Gallenberger, 2015

In questo momento puoi trovare i seguenti film su…

   Sky On Demand:

Silver Linings Playbook

Clouds of Sils Maria

Moulin Rouge!

Siamo già al secondo appuntamento con il nuovo metodo che ho scelto di adottare per raccontarvi il cinema. Sperando che quello di due lunedì fa, Midnight in Paris, vi sia piaciuto, oggi ho intenzione di suggerirvi uno dei miei film preferiti, che vi ho già consigliato nel post dedicato alla mia attrice preferita: Nicole Kidman.

Moulin Rouge! non è solo un musical, è un vero omaggio al cinema e alla musica. La regia è meravigliosamente veloce e vorticosa, gli attori sono eccezionali senza essere caricaturali, le musiche trascinano lo spettatore e invogliano a cantare, la storia è tanto bella quanto colta. La trama infatti, per chi non lo sapesse, è ispirata a due famosissime opere: La traviata di Giuseppe Verdi e La bohème di Giacomo Puccini. Il regista (uno dei mie preferiti) Baz Luhrmann non è solamente una persona colta ma è anche un visionario. Comprende quanto la cultura pop e la necessità di mash-up (ovvero unire due o più brani fondendoli in un unico pezzo) sia così radicata nello spettatore moderno che, con lui, l’esperienza che fa chi guarda un film, non si limita all’osservazione passiva. Con Luhrmann scatta il gioco al riconoscimento della citazione o delle citazioni, come accade in Moulin Rouge! Questo film, del 2001, conclude, inoltre, quella che lo stesso regista ha definito la Red Curtain Trilogy, ovvero la Trilogia del Sipario Rosso, composta da Stricly Ballroom (1992), Romeo + Juliet del 1996 e appunto da Moulin Rouge! I tre titoli non concorrono a creare una trilogia nel senso classico della sua definizione ma hanno un legame particolare. Un modo nuovo e diverso di fare di cinema e di fare esperienza del cinema. Il primo lungometraggio si concentra sul mondo della danza, il secondo su quello della recitazione e il terzo sul suono e sulla musica. I tre film hanno una modalità di narrazione cinematografica estremamente veloce, che racchiude al suo interno tante citazioni e immagini, alcune delle quali è facile non notare in una prima visione. Infine tutte e tre le pellicole sono raccontante e racchiuse all’interno di una cornice, che è appunto quella del teatro. Tre storie raccontate sopra un palco, dietro un meraviglioso sipario rosso.

Il film che ti sei perso...

Breve riassunto:

Parigi, 1900. Christian è un giovane aspirante scrittore che si ritrova per una pura casualità nel famosissimo locale parigino Moulin Rouge. Qui rimane folgorato dall’étoile dello show: Satine, la più bella tra le donne del locale e la più abile a conquistare il cuore degli uomini.

Perché guardarlo:

  • Se amate la cultura pop, la musica, i musical, le immagini sfrenate, il gioco al citazionismo o una sola di queste cose allora dovete assolutamente guardalo
  • È un film colto e intelligente. Sapientemente diretto e magistralmente interpretato
  • La colonna sonora da sola merita una nota di merito

Perché non guardarlo:

  • Se non siete avvezzi a una modalità di racconto frenetica e non vi interessa scoprirla allora dovete rinunciare. Moulin Rouge! richiede al proprio spettatore una totale fiducia e una voglia di percorrere un viaggio unico e magico insieme alla macchina da presa

Lo Straordinario nell’Ordinario

Eccoci di nuovo qui. Con il nostro appuntamento del lunedì dedicato ai film con la classica formula. Spero che vi sia piaciuto il post di lunedì scorso dedicato alla settima arte ma incentrato su un singolo film. Esattamente come ho fatto la settimana scorsa, iniziando il nuovo anno con un nuovo modo di raccontarvi il cinema, dedicando l’articolo a un film che adoro, anche questo lunedì vi vorrei parlare di titoli e di un genere a me molto cari.

Il titolo che ho deciso di dare a questo mio articolo dice molto. Amo i film drammatici che sanno raccontare una storia che solo in apparenza sembra banale ma che in realtà cela un intero universo di emozioni. Sembra semplice fare un film drammatico ma in realtà è davvero difficile creare un prodotto che riesce a mostrare allo spettatore che la sua vita può essere straordinaria e interessante, tanto quanto una spedizione nello spazio o un film d’avventura.

Il film che ti sei perso...

Per mostrarvi come lo straordinario risieda nelle piccole storie quotidiane ho scelto i seguenti titoli: Match Point, Brooklyn, Evening e Atonement. Sono quattro pellicole differenti tra di loro, ambientate in epoche diverse, che raccontano svariati drammi. Eppure toccano tutte un punto molto sensibile del mio cuore e della mia anima. Non sono solo le lacrime che legano, attraverso un sottile fil rouge, questi titoli ma anche il voler raccontare in modo delicato, pacato, senza eccessi, una storia. Questi quattro film mostrano, in quattro modi differenti, che lo straordinario risiede, a volte, in un dramma intimo e famigliare e che questo può toccare l’animo di una persona distante, mostrando comprensione per cosa significhi una piccola o grande battaglia quotidiana.

Che sia un amore perduto, una lontananza forzata, un amore proibito o uno ostacolato non è importante. Ciò che è essenziale è il racconto, è la forza dell’animo umano che silenziosamente e quotidianamente affronta le proprie battaglie personali, senza che le persone accanto sappiano ciò che sta realmente vivendo. I film che cercano di rappresentare un microcosmo per parlare di una storia universale sono tantissimi. Quindi perché ho scelto questi quattro titoli? Semplicemente perché mi sono molto cari e perché rientrano tutti, per un motivo o per un altro, nella classifica dei miei film preferiti. Ecco perché vi suggerisco di vederli tutti. Se cercate un ulteriore motivo per vederli vi accontento subito dicendovi quanto segue:

  • Match Point: regia di Woody Allen. Attori fantastici e colonna sonora ineccepibile. Fotografia impeccabile. Uno dei migliori lavori di Allen e il mio film preferito del regista. Ve l’ho già suggerito nel mio post dedicato all’attrice Scarlett Johansson
  • Brooklyn: una piccola poesia in movimento. Un film intimo, delicato e ben interpretato – la giovane Saoirse Ronan non delude mai
  • Evening: una storia d’amore struggente e drammatica. Un film corale che vanta un cast femminile di tutto rispetto
  • Atonement: la fotografia che accompagna tutti i film diretti da Joe Wright, uno dei miei registi preferiti, è sempre perfetta, drammatica e curata. Questo film non è da meno. Il cast vanta attori meravigliosi e la storia è tratta dall’omonimo romanzo scritto da Ian McEwan. Vi ho già consigliato questo titolo in due mie precedenti post: Piano sequenza, ovvero l’illusione di essere dentro al film e James McAvoy

Nel caso te lo fossi perso…

  • Match Point, Woody Allen, 2005
  • Atonement, Joe Wright, 2007
  • Evening, Lajos Koltai, 2007
  • Brooklyn, John Crowley, 2015

Midnight in Paris

Come anticipato lunedì scorso (Anno nuovo, nuove proposte) eccomi qui con un nuovo modo di raccontarvi il cinema. Una pellicola alla volta. Senza spolier ovviamente. Mi sono ritrovata a domandarmi se sarebbe stato più carino iniziare con un film già citato in precedenza, con uno uscito da poco al cinema o con un classico. Alla fine ho optato per un misto di queste cose. Oggi vi parlerò di un film che non è appena uscito ma che non appartiene nemmeno al secolo scorso. Per celebrare l’inizio di questo nuovo modo di raccontare il cinema, ho pensato che sarebbe stato carino partire con un film che adoro ma che non ho ancora avuto modo di suggerirvi.

Midnight in Paris è un divertente e intelligente film ideato, scritto e diretto dal genio indiscusso di Woody Allen. Questo regista non ha certo bisogno del mio umile commento per essere riconosciuto come un vero artista capace di raccontare l’animo umano, le sue paure e ansie, attraverso una spiccata vena comica, intelligente e irriverente. Mi perdonerete se mi unisco al coro di coloro che pensano che gli ultimi film di Allen non sempre sono all’altezza del suo nome. Come tutte le persone affronta alti e bassi nella sua carriera ma se parliamo di Midnight in Paris allora commentiamo un punto di massima. Questo è un titolo che consiglio a chiunque, sia a coloro che amano il cinema di Allen che ai neofiti. La regia non è nemmeno da analizzare – impeccabile come sempre, tuttavia si potrebbero spendere fiumi di parole per il soggetto. Unico, geniale, colto e divertente. Gli attori? Quando mai Allen sbaglia la scelta… e nel caso vi servisse ancora un piccolo incentivo: c’è Owen Wilson (nei panni del protagonista) al suo meglio.

Il film che ti sei perso...

Breve riassunto:

Francia, Parigi. Uno sceneggiatore di Hollywood di successo è in vacanza con la sua fidanzata, i genitori di lei e una coppia di amici della famiglia della ragazza, incontrati per caso. Gil, il protagonista, sta cercando di ultimare il suo primo romanzo. Incompreso, sottovalutato, snobbato dalla famiglia della ricca (e tremendamente snob) ragazza, inizia a girovagare per le strade di Parigi di notte. In uno di questi solitari cammini notturni scopre un segreto tanto incredibile quanto magico…

Perché guardarlo:

  • Il soggetto, la regia e la sceneggiatura sono del migliore Woody Allen
  • Gli attori, anche le comparse, sono tutti ineccepibili e perfetti
  • È una pellicola divertente, irriverente ma anche intelligente in quanto tra una risata e l’latra fa riflettere lo spettatore

Perché non guardarlo:

  • Credo sia un film che possa piacere a chiunque per cui non ho un vero elemento di bocciatura da inserire. Lo sconsiglio solamente a chi non apprezza particolarmente il metodo di narrazione di Woody Allen o chi non ama Owen Wilson. Lui è l’indiscusso protagonista per cui, se non apprezzate l’attore americano, lasciate perdere perché Wilson trascina lo spettatore all’interno della storia tanto quanto la macchina da presa

In questo momento puoi trovare questo film su Netflix:

Midnight in Paris

Il fascino della Notte

Dopo la breve pausa estiva che mi sono presa, ho riaperto il mio blog con un articolo dedicato al magico, fantastico e bellissimo mondo dei lungometraggi che hanno come filo conduttore i supereroi. Nell’articolo Perché il mondo ha bisogno di Superman non ho analizzato, come di consueto, un paio di titoli ma ho voluto dedicare un breve omaggio al genere – che personalmente, ormai lo sapete, adoro. Alla fine dell’articolo avevo inoltre detto che avrei potuto dedicare un post a un singolo personaggio. Su suggerimento, o meglio, richiesta di una persona mi è stato consigliato di dedicare una breve analisi a una delle figure più iconiche di sempre: Batman.

Premetto che non posso scrivere un articolo dettagliato, analizzando per filo e per segno la caratterizzazione che nasce dal fumetto perché non sono così preparata, anche se confesso che vorrei esserlo. A tal proposito chiedo: tra di voi c’è per caso qualche appassionato che mi saprebbe consigliare un libro – possibilmente scritto in italiano, in cui si analizzando un po’ tutti i personaggi dei fumetti e le loro storie?

Il film che ti sei perso...

Confessate le mie lacune, possiamo procedere con l’analisi di uno dei primi supereroi, uno dei più oscuri e perennemente in bilico tra il senso di giustizia e la voglia di vendetta. Bruce Wayne, alias Batman, oltre ai famigerati fumetti vanta una serie di lungometraggi e serie televisive (animate e non). Personalmente ho sempre amato di più i film di Superman – Christopher Reeve per me non interpretava un ruolo, lui era quel personaggio! e la serialità dedicata a Batman. Posso affermare, con un certo orgoglio, che sono cresciuta a pane e cartoni animati. Uno dei miei preferiti era proprio la serie animata in cui l’uomo pipistrello era il protagonista. Mentre i film a cavallo tra la fine degli anni Ottanta e l’inizio degli anni Novanta creano un Batman (ci tengo a ribadire che l’opinione che sto lasciando è puramente personale) abbastanza piatto in cui i veri protagonisti sono gli antagonisti, recitati con un effetto caricaturale e marcato, la serie animata era più equilibrata. Batman era rigido , oscuro, enigmatico ma mai anonimo, almeno ai miei occhi di bambina. Oggigiorno se torno a guardare uno dei film diretti da Tim Burton, regista che ammiro e che apprezzo, o da Joel Schumacher, altro nome che ha diretto film a me cari, non riesco a provare la stessa emozione di quando guardo una pellicola, più datata ma meno finta, in cui il protagonista è Superman. Batman è il simbolo dell’uomo che per sconfiggere la paura usa la paura stessa. È l’uomo che non teme la sua oscurità ma che ne fa uso. Non è il simbolo del bene assoluto e nemmeno il cavaliere senza macchia – non per niente uno dei suo nomi è Cavaliere Oscuro! Nei passati lungometraggi mi è sempre sembrato una figura piatta e poco incisiva. Poi sono arrivati Nolan alla regia e Christian Bale dietro la maschera.

Ciò che i due hanno creato è stato qualcosa di unico. Paura, angoscia, oscurità, lotta tra male assoluto e male minore, un personaggio con una nuova e rinnovata profondità. I nemici erano affascinanti come sempre (come si può non menzionare il meraviglioso Heath Ledger) ma finalmente anche Batman aveva una sua identità. Caos e ordine, paura e disciplina, terrorismo e legge. Nella trilogia di Nolan non solo si assiste a un Batman complesso ma anche a dei film che possono avvicinare un pubblico che non mastica di supereroi.

Un altro lavoro che ho apprezzato molto e che riguarda l’affascinante Bruce Wayne è la serie televisiva Gotham, alla quale ho già dedicato una articolo. In questo caso trovo che la recitazione sia avallata da una regia che permette di essere sopra le righe senza sconfinare nella caricatura. Gli attori sono notevoli, alcuni nomi più di altri e se in alcune occasioni l’oscuro ma ancora adolescente Batman passa in secondo piano la storia non ne risente.

Tornando ai lungometraggi. Christian Bale ha passato il mantello a Ben Affleck il quale ha ricevuto un numero infinito di critiche e di elogi. Insomma, come sempre il pubblico si divide – per fortuna! Io faccio parte di quel gruppo che ha apprezzato Ben Affleck, certo, non recita come Bale ma non credo che abbia rovinato il volto di Bruce Wayne. Il suo è un Batman non giovanissimo ma pur sempre assolutamente affascinante, è arrabbiato e ha uno scontro (e che scontro) con il kryptoniano Superman. Ma voi per chi tifavate? Io chiaramente facevo orgogliosamente parte del partito pro Superman.

Perché la figura di Batman, sia in un film, in una versione animata o in una serie televisiva, piace sempre e comunque? Perché è l’uomo che affronta le decisioni che altri non sanno prendere. Perché è imperfetto eppure non lo si può non amare. Perché affronta il suo dolore con forza e i demoni del passato lo aiutano ad affrontare il presente. Poi ammettiamolo, tra tutte le macchine, le moto, gli aerei e le innumerevoli tecnologie che lo circondano come si fa a non pensare, almeno una volta, “wow, questo lo vorrei pure io!”? Batman che sia una figura di contorno o l’indiscusso protagonista, che sia all’inizio della sua carriera da supereroe mascherato o verso la fine, resta un indiscusso idolo. Perché è tutto quello che ho citato prima e molto altro. Perché… beh, perché è Batman!

Nel caso te lo fossi perso…

  • Batman: The Animated Series, 1992 – 1995
  • Batman Begins, Christopher Nolan, 2005
  • The Dark Knight, Christopher Nolan, 2008
  • The Dark Knight Rises, Christopher Nolan, 2012
  • Gotham, 2014 –

In questo momento puoi trovare i seguenti film su…

Netflix:

Gotham

L’assenza della parola

Si può comunicare senza l’utilizzo della parola al cinema? Si può e ci si riesce benissimo. Oggi vi vorrei proporre quattro titoli in cui l’intera trama si sviluppa attorno all’uso o meno della vocalità.

Il cinema è un mezzo plurisensoriale, il che significa che fa uso di più sensi. Se alla vista togliamo parzialmente il suono allora il film potrebbe risultare una meravigliosa fotografia che racconterebbe sempre e comunque una storia – le migliori foto sanno sempre dire qualcosa. Quindi partiamo dal caso più estremo, per così dire. Il film muto. Prima dell’avvento del sonoro (1927) le pellicole erano mute ma la vera sfida è riuscire a creare oggi un lungometraggio senza l’utilizzo della parola che risulti convincente e sensato. The Artist, film del 2011 ha raccolto la sfida e l’ha vinta egregiamente. La pellicola, uscita in un periodo così all’avanguardia e sempre pronto ad alzare l’asticella degli effetti speciali, ha suscitato tanto interesse quante critiche positive. Il film, di produzione francese è in bianco e nero ed è muto. Risultato? Un film imperdibile, che ha sfidato le leggi del mercato moderno vincendo (anche numerosi premi). Si dice che gli occhi sono lo specchio dell’anima e che uno sguardo dice più di mille parole. Questo valeva tanto nel passato quanto oggi e per questo The Artist, pellicola diretta e interpretata magistralmente, vince alla grande.

Un film non muto ma che è ambientato nel periodo della rivoluzione del sonoro al cinema è Singin in the Rain. In questa pellicola si assiste alla difficoltà che può nascere dall’utilizzo della parola. Questo musical, conosciuto e famoso per i suoi numeri musicali e per lo splendido protagonista, impersonato da Gene Kelly, è un film che racconta non solo una storia personale ma mostra anche la rivoluzione che ha subito la cinematografia quando è stato introdotto l’uso del sonoro. Un musical più profondo di quello che si pensa. Una pellicola storica che merita di essere vista anche per osservare come, in modo leggero ma armonioso, riesce a portare sullo schermo un evento così importante e decisivo per la settima arte. Alcune scene, come quella che vi vorrei proporre qui di seguito, mostrano in modo esilarante, come all’inizio la meravigliosa macchina che è il cinema non abbia avuto vita facile a creare storie con le voci dei personaggi.

In questo articolo, in cui affronto il tema della parola e di quanto la sua assenza a volte sia necessaria non può mancare il nome di un regista: Terrence Malick. Ogni film che dirige si trasforma in una poesia visiva. Le parole nei suoi film sono solo un mero contorno. La narrazione procede e non sente l’esigenza della comunicazione verbale grazie alla regia, alla fotografia e agli interpreti. Ripeto, credo che ogni sua creazione potrebbe essere inserita in questo mio breve articolo ma siccome, lo sapete, amo consigliarvi pochi titoli per volta, ho deciso di suggerirvi The New World. Questo film mostra alla perfezione l’estetica di Malick e porta in scena proprio l’assenza di parola ma non la mancata comunicazione. Le parole, i gesti e gli sguardi raccontano tutto senza sentire la mancanza di qualcosa.

L’ultimo titolo che vi suggerisco oggi è un film che reputo uno dei migliori degli ultimi anni. Un prodotto che mi ha incantata e stregata dal primo all’ultimo secondo. Il lungometraggio in questione è Arrival e tratta proprio del tema della comunicazione che, in questo caso, avviene su un piano diverso dalla nostra umana comprensione. Questo spettacolare film, diretto da Denis Villeneuve, è meraviglioso a parer mio e credo che vada visto per un milione di motivi ma siccome elencarveli tutti sarebbe ardua la cosa – e tremendamente noiosa! vi dirò soltanto che la regia, il tema trattato (e come viene trattato), la fotografia e gli interpreti (una spanna sopra tutti c’è la sempre bravissima Amy Adams, affiancata da un attore che sapete bene ammiro molto: Jeremy Renner) concorrono a creare un film spettacolare.

Oggi vi ho proposto quattro titoli decisamente differenti tra di loro che hanno in comune l’intenzione di mostrare come la comunicazione o la sua assenza sia un tema caro alla cinematografia.

 

Nel caso te lo fossi perso…

  • Singin in the Rain, Stanley Donen, Gene Kelly, 1952
  • The New World, Terrence Malick, 2005
  • The Artist, Michel Hazanavicius, 2011
  • Arrival, Denis Villeneuve, 2016

In questo momento puoi trovare i seguenti film su…

Netflix:

Arrival

Per sempre felici e contenti… forse

In un mio precedente articolo, L’evoluzione delle principesse Disney, in cui ho analizzato le figure femminili dei cartoni animati, avevo scritto che la famosa casa di produzione ha un vizio davvero unico: stravolgere il finale delle più famose fiabe e con esso il significato di cui si fanno portatrici. Vi avevo inoltre detto che in futuro avrei dedicato un articolo proprio a questo tema. Come avrete intuito quel momento è arrivato. Non posso certamente rovinarvi tutti i vostri ricordi d’infanzia, così ho pensato di citare tre titoli, in modo che l’eventuale trauma possa essere arginato.

La prima principessa Disney

Biancaneve è la protagonista del primo lungometraggio Disney – 1937. In Snow White and the Seven Dwarfs, ovvero Biancaneve e i sette nani, il finale è noto a tutti. Il finale Disney intendo. Perché tutti noi, se pensiamo a Biancaneve sappiamo bene che viene salvata dal bacio del vero amore, dal suo bel principe, che disperato per la sua morte e incapace di lasciarla andare, le da un ultimo bacio sulle labbra e che proprio questo gesto d’amore la risveglia dal sonno maledetto. Che bella storia, vero? Insomma, salvata da un bacio, dal vero amore. Certo, come no. Volete sapere il finale che i fratelli Grimm avevano dato a una delle loro più celebri fiabe? La principessa cade in uno stato di morte apparente perché si strozza con un pezzetto di mela che le rimane incastrato nella gola. Grazie alla sua famosa bellezza nessuno ha il cuore di dirle addio, così viene creata una bara di vetro in modo da poterla venerare. Un principe di passaggio (notare: di passaggio!) la nota e incantato dalla sua grazia da ordine che la salma venga portata a palazzo, per poterla vedere sempre (inquietante, no?). Durante il trasporto però qualcuno inciampa e a causa della scossa il pezzetto di mela incastrato esce dalla gola di Biancaneve. La fanciulla una volta ridestatasi dallo stato di morte apparente si sposa con il principe. Questo si che è uno shock, vero? E siamo solo alla prima fiaba, se avete abbastanza coraggio continuate nella lettura.

Non solo fiabe

Non solo le fiabe vengono stravolte ma anche i lungometraggi tratti da storie vere risentono della strana mania Disney di voler cambiare il finale. In questo breve paragrafo vi parlo del mio personaggio femminile Disney preferito: Pocahontas. Nel lungometraggio del 1995 la protagonista dell’omonima pellicola è una donna forte, capace di pensare con la sua testa, in grado di essere un ponte tra due culture differenti. Svio un attimo dal discorso per condividere con voi il mio pensiero sul fatto che Pocahontas sia un cartone che tutti (adulti compresi) dovrebbero vedere e rivedere. Parla di divergenze tra culture che vengono appianate, trasmette l’importanza di quanto sia necessario amare, capire e proteggere il nostro meraviglioso pianeta terra e la natura. Appurato ciò, torniamo a noi e alla bellissima protagonista, la prima dalla pelle non bianca come un lenzuolo – finalmente! Dicevamo che Pocahontas è fiera, forte, coraggiosa e intelligente, legata alla propria terra e alla tradizioni ma anche curiosa di vedere e comprendere ciò che non conosce. Ecco, arriviamo al punto in cui la Disney si scontra con la realtà. Se la vera Pocahontas, dopa una serie di vicissitudini che comprendono la schiavitù e la conversione, viene convocata oltreoceano dopo aver spostato un inglese (pare che il suo sia stato il primo matrimonio registrato tra un uomo europeo e una nativa indiana), nel lungometraggio preferisce rimanere a casa, con la sua tribù e dicendo addio al suo amato John Smith. Perché la Disney abbia deciso di cambiare la trama così tanto, imponendo questo finale è proprio un mistero. In fondo che Pocahontas decidesse di rimanere o di partire una cosa era assicurata: le infinite lacrime alla fine della visione.

Il film che ti sei perso...

Il classico dei classici

Torniamo ai classici e a principesse più succubi della storia (e anche meno interessanti). Cenerentola, su questa fiaba ci si potrebbe scrivere un’intera tesi di laurea magistrale analizzando come la fiaba si è evoluta nel corso dei secoli, di quali significati psicologici e pedagogici si fa portatrice e la qualità e quantità delle trasposizioni cinematografiche dalla nascita del cinema a oggi (fidatevi se lo dico: perché io l’ho fatto!). Questa è una delle fiabe più famose in assoluto e vanta numerosissime versioni, la più antica delle quali risale all’antico Egitto e innumerevoli trasposizioni cinematografiche – più di cinquanta. Questa principessa è stata narrata da molte tradizioni e culture, decisamente diverse tra di loro. La Disney attinge alla versione, notoriamente edulcorata, di Charles Perrault. Quale cambiamento porta la casa di produzione americana? Gli amici di Cenerentola. Gli animaletti che accompagnano la narrazione sono una mera invenzione della Disney. Sconvolgente vero? I famosi e dolcissimi Jaq e Gus Gus, che aiutano la nostra protagonista ad uscire dalla torre nella quale viene imprigionata dalla matrigna, in realtà prima del 1950 non esistevano in nessuna versione. Lo so che vi state chiedendo “ma allora chi la aiuta a fuggire dalla torre?” e se vi rispondessi che non c’è nessuna torre? Se vi dicessi che Cenerentola al ballo non ci va una sola volta ma tre? Se vi raccontassi che Cenerentola, così come le fanciulle Disney che vi ho menzionato prima e come tanti, tantissimi altri lungometraggi Disney, sono ben distanti dalle prime versioni?

Questo post non vuole screditare la Disney, anche perché non potrei mai visto quanto sono affezionata ai suoi prodotti ma vuole portarvi a farvi incuriosire. Se una cosa vi piace, andate oltre, scoprite cosa c’è di reale e cosa è stato aggiunto, provate a leggere e conoscere più versioni di una stessa storia e poi solo allora decidete quale narrazione fa più al caso vostro.

 

Nel caso te lo fossi perso…

  • Snow White and the Seven Dwarfs, David Hand, Perce Pearce, Wiliam Cottrell, Larry Morey, Wilfred Jackson, Ben Sharpsteen, 1937
  • Cinderella, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Clyde Geronimi, 1950
  • Pocahontas, Mike Gabriel, Eric Goldberg, 1995

 

Graphic Cinema

Le trame dei film si dividono in due tipologie, esistono le sceneggiature originali e quelle non originali. All’interno di quelle non originali le fonti a cui le narrazioni attingono sono le più disparate. Alcune pellicole si ispirano a romanzi, altri a eventi realmente accaduti, certi prendono spunto dall’infinito mondo dei fumetti e una piccola parte di questi ultimi sono tratti da una particolare categoria di fumetti: le grapich novel, o come sono meglio conosciute in Italia, i romanzi grafici o romanzi a fumetti. Questa tipologia si differenzia dagli altri fumetti per alcune peculiari caratteristiche. Come ben sapete questo blog si occupa di film, serie televisive e attori, per cui non è la sede giusta per analizzare questa tipologia di fumetto nel suo specifico, anche perché ammetto che non sono nemmeno in grado di farlo. Tuttavia questo genere di narrazione ha dato la possibilità di creare interessantissime pellicole che, attingendo a questo mondo meraviglioso e ben caratterizzato, sono risultate vincenti sotto molteplici punti di vista. Come spesso accade, anche oggi ho deciso di suggerirvi tre titoli che hanno un solo filo conduttore – in questo caso la sceneggiatura non originale che si ispira appunto alle graphic novel.

Il più famoso dei tre è certamente Sin City. Questa pellicola del 2005, suddivisa in tre episodi e diretta da tre registi differenti, vive in bilico tra il mondo del cinema e quello dei fumetti. La narrazione, la fotografia, la recitazione e il montaggio seguono più le regole della carta stampata che del cinema. E questo funziona. Funziona eccome. Il risultato è qualcosa di unico, perfettamente riconoscibile. Il film è stato girato in digitale e le ambientazioni sono quasi tutte virtuali ma questa scelta registica non dona un senso di falsa realtà ma crea l’incrocio perfetto tra cinema e graphic novel.

Il secondo dei tre film che voglio suggerirvi in questo articolo è un titolo che vi ho già consigliato in altre due occasioni (La spia che ti sei perso e James McAvoy). Il lungometraggio in questione è Atomic Blonde del 2017, in cui la bellissima protagonista è la magnetica Charlize Theron. Nel caso non lo aveste ancora visto, mi limito a dire che ritengo che questa sia un’altra interessante pellicola che non andrebbe persa ma che, anzi, merita di essere vista. Non solo per la regia, la trama e la recitazione ma anche per l’incredibile colonna sonora.

Il film che ti sei perso...

L’ultimo titolo che suggerisco oggi è un altro film ampiamente visto e conosciuto. 300. Questo lungometraggio è stato oggetto di numerosi elogi ed è anche ormai famoso per la celebre esclamazione “Questa è Sparta!”. Confesso di aver visto questa pellicola solo un paio d’anni fa perché prima pensavo, erroneamente, che fosse un prodotto poco interessante. È sempre bello ricredersi, soprattutto quando alla fine della visone si rimane felicemente colpiti. La fotografia, l’intero film lascia senza parole, incanta, tiene lo spettatore davanti allo schermo e lo conquista, dall’inizio alla fine. Non fate l’errore che ho fatto io, pensando che 300 sia un film poco degno di nota. Al contrario, la pellicola diretta da Zack Snyder è assolutamente imperdibile, soprattutto se vi interessano i prodotti un po’ diversi dal solito, che colorano la storia della cinematografia con entusiasmanti trovate.

Nel caso te lo fossi perso…

  • Sin City, Robert Rodriguez, Frank Miller, Quentin Tarantino, 2005
  • 300, Zack Snyder, 2007
  • Atomic Blonde, David Leitch, 2017

 

In questo momento puoi trovare i seguenti film su…

Sky Cinema Italia:                               Netflix:

Atomic Blonde                                           300